Todos a conhecemos, num fenómeno global apenas comparável ao da Gioconda, de Leonardo da Vinci. E agora há os 119,9 milhões de dólares (91 milhões de euros) pagos na quarta-feira no leilão da Sotheby"s, em Nova Iorque, que estabeleceram um recorde absoluto de venda de uma obra de arte em leilão.

O que é que O Grito tem? "Fala por toda a gente, já todos nos sentimos sozinhos e desesperados em algum momento da nossa vida", disse à BBC David Jackson. Segundo este professor de História da Arte Escandinava da Universidade de Leeds, "o impulso de olhar para as coisas que nos incomodam é parte fundamental da condição humana".

Com um ar desesperado, de boca aberta em esgar e as mãos na cabeça, numa ponte com duas pessoas ao fundo, e um horizonte com cores garridas, a figura central do quadro transmite uma angústia que tem atravessado décadas, mantendo-se sempre actual. À época da realização da obra, Munch estaria a retratar o seu próprio estado de espírito, que, como escreveu Jonathan Jones, crítico de arte do britânico The Guardian, vivia infeliz e alienado do mundo por não estar a ser reconhecido pelo seu trabalho. Hoje, facilmente qualquer pessoa se pode identificar com esse estado e, por sua vez, com o quadro.

O psicólogo da Universidade de Reading Eugene McSorley compara o efeito com o suscitado por registos de pessoas em sofrimento. "É muito difícil para as pessoas ignorar estas imagens. Não conseguem desviar o olhar", disse à BBC sobre o quadro que deixou de ser apenas o grito de desespero de Munch para se tornar no grito da modernidade.

Petter Olsen, o norueguês que levou o quadro à praça, vai mais longe na definição da obra e fala do "momento terrível em que o homem percebe o seu impacto na natureza e as mudanças irreversíveis que iniciou". Daí a decisão de o vender ao fim de tantos anos. "Sinto que é o momento para oferecer ao resto do mundo uma hipótese de ter e apreciar este incrível trabalho, que é a única versão de O Grito [das quatro existentes] que não está num museu da Noruega", disse o empresário, cujo pai foi amigo e patrono de Munch, tendo adquirido vários quadros ao artista. 

"É preciso saber quando é que temos de largar as coisas", disse à televisão norueguesa NPK o empresário, que, com o dinheiro da venda, vai financiar um novo museu, um hotel e um centro de arte na Noruega. 

Sobre o actual comprador nada de sabe, existindo rumores de que poderá ter sido adquirido pela família real do Qatar, que no final do ano passado comprou Os jogadores de cartas de Paul Cézanne por 190 milhões de euros.

Retirado do Público

Os resultados, que ainda não são conclusivos, como explicaram os investigadores, só foram possíveis através do recurso a micro-câmeras e a sondas, que atravessaram o fresco de Giorgio Vasari, que decora uma das salas principais do Palazzo Vecchio. A operação, que ainda não terminou, já está a causar alguma controvérsia, uma vez que estão a ser feitos alguns buracos, ainda que pequenos, na obra, para que o fresco possa ser penetrado.

A prova mais evidente de que uma obra de Leonardo da Vinci poderá estar por baixo do fresco de Vasari é, segundo a BBC, o pigmento preto descoberto, que é o mesmo usado em “Mona Lisa”. Ainda existe muito trabalho para ser feito mas, se estes resultados se confirmarem, esta será uma das grandes descobertas na história da arte nos últimos anos. 

“Esta informação é muito encorajadora”, disse à imprensa, citado pela BBC, Maurizio Seracini, professor de história de arte na Universidade de San Diego (EUA) e responsável pelo grupo de investigação, explicando que “apesar de a investigação estar numa fase preliminar, as evidências sugerem que estamos a investigar no sítio certo”. 

Mas para o historiador de arte Tomaso Montanari, que lidera o movimento contra a investigação, tendo já lançado uma petição para que acabem os trabalhos na obra, os resultados apresentados hoje não são credíveis. “O que é que eles querem dizer quando afirmam que a descoberta é compatível com Leonardo? Qualquer quadro do Renascimento pode ser. Qualquer coisa daquela época pode ter sido pintada naquela parede, O que falta aqui é uma equipa científica neutra com autoridade para avaliar isto”, disse Montanari à BBC. 

Para provar a teoria de que Giorgio Vasari pintou a obra “La battaglia di Marciano” em 1563 por cima de uma inacabada “La battaglia di Anghiari”, de Leonardo da Vinci, a equipa de investigadores, que obteve a permissão para trabalhar na obra no ano passado, ainda vai desenvolver outros testes e analises químicas. No entanto, surgem cada vez mais críticas, que apelidam o trabalho de investigadores de uma “operação publicitária ao estilo Dan Brown”, autor do best seller “O Código Da Vinci”.

Numa entrevista à Reuters, Terry Garcia, vice-presidente da Sociedade Norte-americana de Geografia, que apoia a investigação, não dá importância às críticas. “Penso que demonstrámos que aqueles que dizem que um trabalho de Leonardo não está atrás daquela parede estão errados”, disse o responsável, assegurando que a obra de Vasari não corre perigo. “Todos os buracos que foram postos no mural foram todos em áreas que já tinham anteriormente sido restauradas ou em fissuras, por isso o original de Vasari não foi tocado”, garantiu.

Há muito tempo que muitos críticos e investigadores defendiam que Leonardo da Vinci teria sido o primeiro artista a desenhar e pintar aquele fresco, representando uma cena épica de uma batalha com cavalos, e que depois a obra foi encoberta quando Giorgio Vasari foi convidado em 1563 para aumentar e terminar o trabalho, já que Leonardo terá abandonado a obra, antes de a terminar. 

No entanto, de forma a não destruir o trabalho do mestre do renascimento, Vasari terá desenvolvido a sua obra sobre uma outra parede que construiu por cima da obra de Leonardo da Vinci. 

Na conferência de imprensa, Maurizio Seracini explicou ainda que uma evidência de como Vasari protegeu a obra de Leonardo é a mensagem que escreveu na bandeira de um dos solados que diz: “Quem procura, encontra”.

Via Público

Lisboa tem uma nova atracção turística. Graffitado há poucos dias numa empena nas traseiras da Avenida da Liberdade, o gigantesco cavalo não passa despercebido a ninguém - e poucos são os visitantes da cidade que resistem à tentação de o captar com um disparo da máquina fotográfica.

Obra de um homem só, o graffiter espanhol Aryz, o desenho não custou um tostão à cidade. Uma loja e galeria do Bairro Alto ligada a este tipo de arte urbana, a Montana, convidou o artista de 23 anos, e quatro dias depois o cavalo de sete andares de altura coloria o desengraçado prédio branco e cinzento junto ao Teatro Tivoli. "É com orgulho que passamos a ter uma peça de Aryz na cidade", diz Sílvia Câmara, da Galeria de Arte Urbana da autarquia de Lisboa, departamento que se encarregou de encontrar uma fachada suficientemente grande e cujo proprietário estivesse disposto a acolher o trabalho. Sílvia Câmara recorda que os desmesurados trabalhos de Aryz estão espalhados por várias cidades europeias. Só em 2011 o artista pintou na Polónia, em Itália, na Finlândia e ainda na Catalunha, onde mora. 

"Fez tudo sozinho, sem ajuda de ninguém", descreve, impressionado, o guarda do estacionamento improvisado que fica ao lado da agora célebre empena. "Chegava às 8h e ficava até ser noite, às vezes até às 22h." E nem os cozidos à portuguesa e outros pratos típicos que foi comendo numa das tasquinhas defronte lhe tolheram os gestos. O pior é mesmo quando lhe perguntam que significado dá ao cavalo, mais ao esqueleto e aos peixes cabeçudos que compõem o desenho. "Quando lhe perguntei, disse que era o imaginário dele. Mais nada", conta a proprietária da tasca. Contactado pelo PÚBLICO através do proprietário da Galeria Montana, Miguel Santos, também desta vez Aryz se mostrou pouco dado a interpretar o seu trabalho: "Ele diz que não há nenhum conceito por trás do desenho. Que gosta destes jogos com cores e animais." 

"Obra de mestre"

Um comunicado da Galeria de Arte Urbana dá algumas pistas na descrição de uma obra que lembra, nalguns aspectos, as obras surrealistas de Dali: "Respeitando os vestígios ainda patentes de um edifício contíguo, anteriormente demolido, o autor traçou directamente sobre o reboco cru de toda a empena uma espiral enleada entre o corpo e o esqueleto de dois cavalos, pontuada por certos apontamentos "burgueses" que introduzem um afável humor nas suas obras, como um laço e um chapéu mínimos ou até pequenos peixes que parecem nadar sorridentes em redor das figuras centrais." 

São de agrado a maioria das reacções dos transeuntes. "Pelo menos a empena está mais alegre", observa uma moradora, de 75 anos. "É uma obra de mestre", elogia o sócio do restaurante em frente ao prédio. Vizinho do megacavalo, o arquitecto paisagista Ribeiro Telles lamenta que a empena não tivesse sido limpa. "Tem um aspecto de degradação muito feio que o graffiti não resolveu", declara.

Ainda que sem custos envolvidos, o patrocínio pela autarquia de uma forma de arte pouco consensual como é o graffiti suscita críticas. "Qual passa a ser a credibilidade do presidente da câmara, quando multa um miúdo de Chelas que pintou a parede do metro?", questiona o director-geral de uma farmacêutica, Samuel Maurício, de 42 anos. "A cidade devia opor-se a tudo quanto é graffiti", opina. O pior, nota Ana Alves de Sousa, do movimento cívico Forum Cidadania, é nada na zona envolvente ter sido arranjado: "O ecoponto em frente está um nojo, com o lixo todo cá fora; os passeios estão completamente destruídos e o estacionamento no terreno ao lado está todo entrapado à volta, como se fosse clandestino..."

Via Público

Na lista das 14 estações de comboio mais belas, a de São Bento é destacada pela sua fachada em pedra e telhados de mansarda, bem como pelos “20 mil esplêndidos azulejos” criados por Jorge Colaço e produzidos pela Fábrica Cerâmica Lusitana, um trabalho que, segundo a Travel+Leisure, fará qualquer visitante “suspirar”.

O projecto chegou às mãos do artista em 1905 mas só dez anos depois era apresentado ao público, que nas paredes da estação pode ver alguns episódios da história de Portugal como a entrada de D. João I no Porto, para celebrar o casamento com D. Filipa de Lencastre, ou o torneio de Arcos de Valdevez.

Além de São Bento, a Travel+Leisure destaca ainda a beleza da estação de Maputo, em Moçambique, a única escolhida no continente africano, bem como os jardins interiores da estação de Atocha, em Madrid, ou ainda as estações de Kanazawa, no Japão, a Southern Cross Station, em Melbourne, na Austrália, de Sirkeci, em Istanbul, na Turquia, ou a neogótica S. Pancras International, em Londres.

Os Estados Unidos lideram a lista com três estações – a Union Station, em Los Angeles; a Union Station, em Washington; e a Grand Central Terminal, em Nova Iorque. 

Na Europa, destaque ainda para a estação central de Antuérpia, na Bélgica. A arquitectura e a decoração da estação Chhatrapati Shivaji, em Bombaim, na Índia, e da estação de Kuala Lumpur, na Malásia, também as colocaram na lista da revista.

Via Público

Com 964.540 visitas, o museu lisboeta registou um crescimento significativo em relação ao ano anterior, 2009, subindo 25 lugares no top dos 100 museus mais visitados do mundo. Para trás ficaram museus tão conhecidos como o Guggenheim de Bilbao, o Museo Thyssen-Bornemisza, em Madrid, o Centro Cultural Banco do Brasil, em São Paulo, o Centre Pompidou Metz e a Tate de Liverpool.

Nos primeiros lugares da lista aparecem o Museu do Louvre, em Paris, com 8,5 milhões de visitas, seguido do pelo British Museum, em Londres, com 5,8 milhões e o Metropolitan, em Nova Iorque, com 5,2 milhões de visitantes.

O Museu Colecção Berardo foi inaugurado em 2007, depois de o Estado português ter acordado com o comendador e coleccionador madeirense Joe Berardo a cedência gratuita das obras da sua colecção privada, 862 peças, avaliadas em 316 milhões de euros pela Christie's em 2006. 

Na altura, foi criada a Fundação de Arte Moderna e Contemporânea da Colecção Berardo, cujo contrato prevê a cedência sem custos do Centro de Exposições do Centro Cultural de Belém para fixação do museu até 2016, ano em que o Governo terá a opção de compra da colecção. Só então as obras poderão ser classificadas como património nacional. Desde Abril, o historiador de arte Pedro Lapa é o director artístico do museu.

Da inauguração até ao final de 2010, o museu, que mantém uma política de entradas gratuitas, mostrou 37 exposições e a fundação que o gere adquiriu cerca de 200 novas obras de arte. Factores que terão contribuído directamente para a subida no número de visitas.

Via Público